In quanto titolo, Deiecta membra sembra porsi al di là di quello che è. Esso rivela, infatti, una condizione compiuta ed ormai esaurita: il tempo ultimo di un avvenimento di conflitti e di sconfitte, di cui rimane solo una raffreddata constatazione, se non un’attesa di “altro” da ciò che fu. Lo stesso non può dirsi, però, per il risvolto del titolo, laddove si attesta la pittura di Pietro Lista. Disseminata di allusività autobiografiche, essa si espone in un teatro fumante di corpi e di brocche, dove i corpi e le brocche sono come carcasse ed involucri vuoti, entrambi accomunati dal silenzioso destino delle cose, che è di rifiuto e di perdita. Se dietro la pittura di Lista c’è ancora un versante di fisiologica ri-flessione, questa riguarda — come dice Jean-Louis Poitevin in un lucido saggio sull’artista — l’immagine di un corpo lacerato dalla sua doppiezza: “tra il visibile e l’invisibile… tra l’espressione prima del corpo cieco — che è là per offrirsi allo sguardo — ed il desiderio ultimo del corpo veggente, che tende a dileguarsi nella pienezza dell’accecamento”. In realtà, è proprio sull’inevitabile dileguamento e sull’indifferente inversione tra i primi e le seconde, tra il corpo cieco ed il corpo veggente, che la pittura di Lista rivela — com’è evidente in queste ultime opere — una posizione di soglia, al limite dell’autonegazione e del baratro. Contrariamente al titolo, essa è al di qua di tutto ciò che appare, risolta su distanze minime e sottili, consegnata alla fissità di un occhio estroflesso e sgranato, che non ha più l’ossessione della vista. E’ una posizione, quindi, diversa dalle precedenti, dalla quale si osserva uno scenario ancor più addensato di frammenti, di piegature e di ammaccature, di anatomie troncate e slegate; che è dato da corpi acefali che hanno perso — da tempo immemorabile, forse dalla preistoria — la loro ossatura; che sono carcasse nate già tali, inevitabilmente rinsecchite. Di sicuro, scarsa è l’identità materica, residuale e molecolare, dei corpi con i corpi e di questi con lo sfondo. A volte, i primi sono immersi nel secondo e nelle sue concrezioni melmose, che restano concrezioni anche quando hanno il colore dell’oro; a volte, invece, essi sono staccati dal fondo come brandelli di una memoria smarrita, di una parola sospesa e mai detta. In un caso o nell’altro, comunque, i corpi sono spesso agganciati allo sfondo solo attraverso un rosso {o un bianco, o un nero), che è vibrante di purezza, che è un richiamo ulteriore ed in corto circuito, per così dire, a macellerie di storia, a carnai di odio decomposti in un liquame immondo.) Certamente, Pietro Lista ha conosciuto, fin dall’inizio, L’urlo notturno ed incontenibile di Edvard Munch, le Metamorfosi di Graham Sutherland; soprattutto ha visto e metabolizzato, lungo i labirinti del suo quotidiano, le dramatis personae di Francis Bacon. Molte sono, infatti, le opere, realizzate da Lista negli anni passati, che rimandano agli Studi sull’alterità di Bacon. Il rimando, tuttavia, è comprensibile a meno di alcuni scarti — più o meno lunghi, più o meno mediati — rilevabili sulla comune narrazione del corpo: in Bacon, resa con apparizioni improvvise e con esibizioni di fantasmi- persone; in Lista, con rugginosi sudari di effimeri moncherini, senza nome ed erosi nel sesso. “Privo di visione e di sguardo, il corpo — sottolinea ancora Poitevin — …è mostrato come pura presenza, puro enigma teso verso l’impossibile conoscenza di sé e del mondo”. Raffaele D’Andria
Per Michele Attianese l’intento dell’artista è quello di proiettare lo spettatore simultaneamente in spazi e mondi pittorici in cui la logica interna associativa di questi ultimi si scontra con i convenzionali schemi narrativi. L’artista crea così un atlante immaginario fatto di ibridazioni e accostamenti realistici ed immaginifici, piccoli teatri di contemporaneità che affondano le radici in un universo che si nutre di cinema, letteratura e storia sociale. Nella poetica di Attianese vi sono chiari tentativi di analizzare la condizione umana attraverso livelli di comunicazione che recuperano e mischiano immagini e figure e ambientazioni provenienti da foto autoprodotte o talvolta da frame di film. Il tutto al servizio di una narrazione asciutta e scarna che, attraverso momenti poetici di contemplazione e sospensione temporale, suggerisce e declama i paradossi della società contemporanea. In questo melting pot semantico, in cui la strada verso una significazione oggettiva dell’opera è chiaramente nebbiosa. La tecnica realizzativa dei lavori presentati allo spazio Bagatto, è di una peculiare originalità: nei disegni realizzati a grafite su carta e a olio sono presenti anche materie e tecniche non tradizionali: forme pure e simboli fatti di plastica precedentemente concepiti dall’artista e tagliate a cutter digitale; assemblando così un’opera non totalmente definibile, sfuggente e ibrida, una metafora appunto della nostra condizione contemporanea. L’uso di tecniche digitali a completamento dell’opera è una dichiarazione positiva di abbraccio alla contemporaneità; l’apertura alla pratica delle moderne tecniche digitali e del self making è un chiaro superamento del confine semantico della tecnica tradizionale; si spezza così il legaccio insopportabile che frena la possibilità di nuove scoperte sulla propria ricerca e sull’opportunità di stupirsi. La pratica artistica è un viaggio interiore senza preclusioni, una riscrittura del sé che approfondisce e tenta di svelare, ovviamente non riuscendoci, le motivazioni alla base dei bisogni espressivi: dipingere è innanzitutto comunicare, comunicare e far conoscere la propria visione del mondo e la possibilità di metterla in condivisione con gli altri. Arricchire il proprio immaginario, per Attianese, significa metterlo a disposizione dell’altro che, in maniera spontanea, introducendo relazioni e iterazioni che rigenerano all’infinito il significato dell’opera.
Con la più arcaica delle arti anzi con la “Madre delle arti” si confronta Giuseppe Cicalese per la sua traversata nel mare dell’invenzione creativa, traversata che parte dal 1993 quando dopo la sua formazione, lo accolgono i laboratori delle faenzere fra Vietri sul mare e Cava de’Tirreni. La tradizione di questi due antichi poli ceramici è il suo punto di partenza: non si può ideare il nuovo, non si possono costruire ponti verso il futuro senza il passato, in questo caso fatto di forme, smalti e tecniche antichissime che si sono mosse nei secoli agevolmente dall’Occidente all’Oriente. E di ponti verso il futuro questo ceramista e designer ne sta costruendo una moltitudine con le sue varianti che si originano e prolificano dalle sue idee, dai suoi progetti eterogenei. Una eterogeneità che ha fatto dire a Pietro Amos nel testo critico di presentazione della mostra Segni Migranti”la varietà dei decori e delle forme dei manufatti… di Giuseppe Cicalese fa pensare a più autori. Solo osservando meglio si percepisce che…sono l’identikit di un unico autore.” Oro e manganese, le cromie scelte per questa sua ultima sperimentazione di piatti e vasi su cui i segni rivelano una estrema lievità ed essenzialità del disegno, una lievità forse mutuata dal suo scambio con l’artista Pietro Lista con cui ha condiviso esperienze comuni e complementari. A questa leggerezza e rigorosità si affianca una scelta scarna del colore che assegna una preminenza assoluta alla cromia della regalità e della preziosità, alla singolarità di quel metallo nobile e splendente, presente in natura e protagonista dell’antichissima tecnica dei Lustri. Il manganese invece è quasi un non colore ma si è prestato facilmente alla manualità del disegno. Accanto all’oro e al manganese si affianca la primitività del grezzo argilloso che dà piena voce alla materia ed alla sua immediatezza in una forma arcaica che viene resa originale da un cerchio bianco che la suddivide in due sezioni. Già in passato l’artista ha prestato un lungo sguardo a forme provenienti da culture e civiltà dissepolte. Arcaico e contemporaneo, tradizione ed innovazione si intersecano nelle forme che ci propone Cicalese in un originale ed innovativo connubio. Gabriella Taddeo
Le strade in senso reale e figurato, direttrici della nostra esistenza per poter essere percorse vanno esplorate, indagate, laddove possibile conquistate e governate in quanto a conoscenza e dimestichezza. La strada maestra ha un inizio e una fine e ognuno ha una stella che ti indirizza, ti sorregge, ti guida, perché nel corso del viaggio-vita si fuoriesce, si prendono strade parallele, ci si perde e si consuma talvolta in maniera inutile il tempo assegnatoci. Il viaggio ha come scopo primario la conoscenza rappresentata da luoghi e fatti, ma ancor più di ideali, sentimenti, ambizioni. Irrequieto per natura, sperimentatore e curioso, percorro con ansia la mia strada talora lasciandola per poi ritornarci, ma carico di esperienze, che trasporto in quello che è il mio lavoro-missione, che qualcuno definisce arte, ma che io riduco a necessità di vita, interiorizzata prima e realizzata poi nell’intimo laboratorio, in cui lavorano visione, manualità e concretizzazione. Da qui il percorso ultimo di ceramicatore di idee, imboccato casualmente ed in cui assaporo l’importanza dell’equilibrio della materia, che va cavalcata, come la vita chiede, arrivato dopo aver imboccato sentieri legati a varie espressioni, dalla fotografia al restauro ed alla pittura, sempre percorsi alla mia maniera. Oggi al “Bagatto” una mia piccola retrospettiva, sintesi del mio vissuto e tappa gratificante dal punto di vista estetico ed esistenziale, in buona sostanza racconti formali, umorali che raccontano incontri-scontri, leggende metropolitane detti antichi e tradizioni, giorni felici, aperti comunque ad un finale ironico, chiave di successo dell’esistenza umana, perché la vita è un viaggio e va vissuto con leggerezza.
Affrontiamo subito il pregiudizio che il mio cognome comporta, faccio ceramica, così come anche i miei antenati la facevano; certo venire da una famiglia di tradizione ceramica costituisce un vantaggio poiché sin da giovane vieni educato verso questo mestiere, sei esposto a numerosi stimoli, ma ogni vantaggio porta con sé un rischio, puoi subire in maniera sfavorevole il peso di questa situazione , devi imparare a distaccarti a convogliare tutti gli stimoli e gli insegnamenti ricevuti nella creazione di un percorso individuale.
Nonostante le mie esperienze mi abbiano portato a sperimentare ambiti artistici diversi come la video arte, la ceramica è stata sempre il canale di espressione privilegiato, permette di approcciarti a un processo lavorativo lento, manuale, fatto di passaggi, dove l’“opera compiuta” non è il frutto di un click interattivo ma la somma di vari interventi che l’uomo esegue sul corpo dell’oggetto, culminando nella lunga cottura. Anche se può sembrare banale, non lo è, chi fa ceramica è in continuo contatto con il reale, l’uomo artigiano diventa uomo creatore, in modo empirico padrone della materia e delle sue leggi.
Nella collezione di vasi “Fuori bordo” l’orlo dell’oggetto si esaspera verso l’esterno creando una superficie che straborda, la parete interna diventa parete esterna costituendo una vera e propria falda di varia larghezza. Il contatto tattile con la materia, spesso volutamente imperfetta e la suggestione visiva del segno, risultano essere accurati interventi poetici, che definiscono il carattere del manufatto.
Cerco di indagare sempre cosa porta all’armonia nel rapporto tra segno e forma, sono affascinato dalle cose irregolari, temporanee e incompiute, la sbavatura di un pennello consumato su una superficie ruvida o l’insieme di punti e linee che graficamente si dissipano sul corpo dell’oggetto. Tutti questi elementi diventano elementi organici, microcosmici, intrappolati sulla superficie traslucida dei miei lavori.
